31.5.16

Una ventana anciana que ha sufrido

Ya en su momento dije que las ventanas sirven para asomarse o simplemente para ver y mirar. Pero también para que te vean, para que desde fuera sepan qué se esconde detrás de lo negro. Los árabes entienden mucho de esto y por eso crean sus fachadas sin ventanas bajas, al revés que los judíos que las creaban y amplias para utilizarlas en la venta de productos como si fueran un escaparate. Son distintas formas de entender la ventana en el urbanismo.

¿Sabemos ordenar con orden o desordenamos para poder encontrarlo?

 En el año 1985 Georges Perec publicó unos textos con el título: Pensar, clasificar. Perec estableció tres categorías referidas a los libros pero que podría ser trasladadas a cualquier colección: lo muy fácil de ordenar, lo no muy difícil de ordenar y lo casi imposible de ordenar.

¿Qué es ordenar? Posiblemente lo desordenado está ordenado de una manera no convencional. Incluso está libremente ordenado por sí mismo. Ordenar es elegir, es seleccionar. ¿Quienes somos, a veces, para retirar, para esconder, para priorizar unos sobre otros?

Un museo, sea digital, sea analógico encerrado en un gran edificio, necesita ordenar, potenciar unos sobre otros. Pero a veces lo que se esconde es más moderno, más atrevido, que aquello que se nos muestra según los gustos de quien ordena. No es fácil ordenar, por eso hay que ordenar con el criterio que a uno le da la gana interior.

Ordenar a veces es amontonar, es dejar espacios vacíos entre los elementos, es crear calles visuales desde donde ver los conjnuntos y los espacios. Clasificar es otra cosa más compleja.

¿Quien es en realidad un artista?


Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener, pero que él, por alguna razón, piensa que sería buena idea darles.

Andy Warhol.

Dos Colosos de Goya, frente a frente

Una de las imágenes más impactantes de Goya puede ser la de este gigante sentado en un paisaje que vuelve la cabeza por encima del hombro como si hubiera sido alterado en su meditación por algo que no entendemos. Goya creó este grabado para la impresión utilizando aguatinta bruñida y así lograr efectos sutiles de la luz y la oscuridad, una técnica apta para representar un ambiente crepuscular y transmitir esa sensación de nocturnidad, de casi niebla que impregna la composición.

No se sabe exactamente cuando Goya hizo esta impresión. Ha sido fechada entre 1800 a 1818 y tiene este grabado una estrecha relación con la famosa pintura de 'El Coloso' que está en el Museo del Prado de Madrid. Ambas obras muestran la misma figura de un gigante. La pintura siempre se ha atribuido a Goya, pero en 2008 fue asignado por el Museo del Prado como un trabajo de estudio y no realizado por el propio Goya.

Este grabado es fundamental en el debate sobre la autoría de la pintura de El Coloso. Si la pintura es un trabajo de estudio, Goya tuvo que tomar prestada la figura de El Coloso de ese otro autor para realizar “su” grabado. Dada su forma de trabajar, parece muy poco probable que Goya hubiera tomado prestada la figura de la pintura de otro autor, para utilizarla en su propia impresión.
 

30.5.16

La inquietud de los caminos verticales

¿Y si los caminos se nos fueran llevando? Creemos que vamos por el camino que elegimos, que nos movemos libremente pues elegimos los caminos. ¿Y si fueran los caminos los que nos eligen a nosotros? ¿Estamos seguros de que nos movemos por donde queremos, hacia unos objetivos que elegimos empleando el camino más cómodo, el más corto, el más hermoso?

El arte de meditar, del descanso, de la calma, de la belleza

A veces el arte es simplemente la capacidad que tenemos todos de descansar y meditar un momento. El ambiente es importante, sobre todo para encontrar esa calma interior que se necesita. Necesitamos todos los días reencontrarnos con nosotros, vermos por dentro más que observarnos desde fuera, escucharnos, pensar en lo siguiente.

Y eso también es un arte que debemos cultivar. Sin la capacidad de admirar lo bello, lo necesario, lo imprescindible para seguir viviendo en calidad, no podremos sobrevivir a los tiempos rápidos de respuesta. Por eso es importante el construirnos de vez en cuando unos tiempos de meditación, de calma, de sosiego. Y reencontrarnos con el arte de nosotros mismos.

¿Acaso alguien no es capaz de ver arte en estos elementos de la imagen? ¿un arte aprovechable para lograr la calma y la tranquilidad, la meditación o la lectura? Pues la suma de todo ese conjunto, donde en el lugar de la imagen sólo faltamos nosotros…, eso…, también es arte.

¿Para qué sirve el Art Brut, además de para tirarlo?

Los ejemplos de Art Brut pueden ser muy diferentes incluso en su concepto. El Art Brut puede ser el Arte Bruto, el Arte Sucio, el Arte sin Pulir. Pero también el Arte sin Academia, el Arte Simple. Y sin duda también el Arte de la Locura, el Arte Marginal, el Arte de los enfermos, incluso el Arte Terapia que se hace como método de tratamiento por y para personas, pero sin ninguna formación artística anterior.

El arte tiene derecho a ser malo, incluso a ser bueno siendo malo.

Los conceptos de lo que es Arte y lo que no es Arte se difuminan, pues somos cada uno de nosotros los que compatimentamos esto. Ni los propios creadores saben (quieren) adscribirse a una tendencia artística determinada. Ni sabemos ni nos importa. Las etiquetas deben ser otros los que las pongan e incluso las que las inventen.

Nosotros os miramos a vosotros, y sois vosotros los que nos miráis a nosotros.

29.5.16

La prometida en Kiriwina. Obra de Wifredo Lam

Esta obra del artista cubano Wifredo Lam se titula “La prometida en Kiriwina” y fue realizada en el año 1949 en óleo sobre lienzo. Es propiedad de la Fundación Marguerite et Airné Maeght. Wifredo Lam recorrió Europa en busca de tendencias que reafirmaron su incipiente surrealismo hasta que encontró a Picasso quien le influyó y lo tomó bajo su cátedra hasta introducirlo en todos los ambientes artísticos de aquella Europa y América que se abría al surrealismo más rompedor y provocativo.

Su propio multicolor, de padre cantonés, madre cubana con raíces españolas, le llevaron a tomar enseguida una clara conciencia de que la multiculturalidad era su defensa identitaria de una forma de entender el arte en el corazón de unas décadas convulsas, en ese mundo que iba a cambiar todos los conceptos hasta entonces conocidos, en las décadas de los años 30, 40 y 50.

Tras la exposición de Wifredo Lam en el Centre Pompidou de París está ahora en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid hasta agosto del 2016, para ir después al Tate Modern de Londres donde estarán sus obras hasta enero de 201.

Abstractamente natural para sorprendernos

Intentar crear algo antinatural es imposible. Todo está ya creado, tal vez nunca visto, pero sí creado. Esta imagen es natural, no está retocada, es lo que había esta mañana cerca de la desembocadura del río Gállego. Parece un abstracto, un mezcla de irreales elementos, una sopa de bruma o de pelos o de dudas. No es unos elementos vistos a través de un microscopio sino la mirada de una mañana fresca. Un simple elemento natural que él sólo ha creado arte con sus formas. Nosotros sólo nos apresuramos a mirarlos, si acaso a cazarlos.

La violencia de unos animales contra otros animales

En 1999 realicé un libro sobre artículos políticos titulado “Sombras” y que acompañaba de algunos dibujos digitales en los que retrataba en aquellos momentos algunos conceptos del momento de una forma bastante abstracta. Era una mezcla de creación y crítica, de diseño digital y dibujo plano. Esta imagen la titulé “Toro”. Un toro aplastado, roto, convertido en un objeto plano tras haber pasado por las manos de los que aplauden en público la sangre a borbotones. Era mi grito contra la violencia de unos animales contra otros animales.

28.5.16

Puede la fealdad ser bella por contraste?

¿Cómo explicar la belleza? A veces tenemos que recurrir al contrapunto, a la comparación, a la enseñanza, a las muestras divergentes. Mezclar lo feo con lo bello, lo correcto con lo horroroso. Una ópera es siempre arte. Esta es Moisés y Aarón que tanto atractivo mediático ha tenido por su buey descomunal y alquilado. Es el punto que realza la belleza. ¿Pero era necesario mostrarnos un buey descomunal? ¿Sólo es comparar dos bellezas desnudas? ¿Por qué los hombres aparecen vestidos de blanco? ¿Acaso no es bello el buey enorme y elegante?

El mundo del arte es una puta mierda

No es posible dejar de provocar si estás creando. La provocación te lleva al éxito, aunque sea a golpes. Por eso el arte debe ser provocativo como lo fueron la Maja desnuda de Goya o las obras de El Bosco, por poner ejemplos anteriores. No es comparable nada pues es imposible volver a ser El Bosco, pero con las nuevas técnicas la provocación siendo más efímera puede ser más contundente. Al final de lo que se trata muchas veces es de mover las entrañas, para bien o para mal.

Mujer moviendo caminos. Aunque el camino parece quieto

Es uno de mis primeras obras pintadas sobre tabla. No está ni firmada. Sobre el 2010 empecé a trabajar sobre tablas en vez de lienzo por explorar nuevos materiales. Hice algunos trabajos totalmente abstractos y luego jugué con estas obras de fondos y personas que se movían y entraban y salían. Tras dar una base a la tabla hacía reservas con cinta y daba una capa de color de acrílicos mezclado con arena de playa. Retiraba la cinta y pintaba encima figuras de personas que previamente había fotografiado y convertido en sombras, en casi siluetas simples. Otras veces sobre estas tablas ya pintadas y convertidas en objetos digitales, las llevaba al ordenador donde les acoplaba las figuras de personas en una especia de collage que mezclaba analógico y digital y me permitía explorar varias obras con el mismo fondo. Este cuadro lo titulé “Mujer moviendo caminos”.

27.5.16

¿Podemos provocar la provocación en el arte?

Unas simples gafas colocadas en el suelo de una sala del Museo de Arte Moderno de San Francisco (MOMA) han desatado la clásica broma sobre la importancia del ARTE y qué debemos considerar arte y qué no. T. J. Khayatan es un joven de 17 años que el próximo otoño comenzará la universidad pero que ya se ha dedicado en otras ocasiones a realizar acciones parecidas. Les gusta ver el comportamiento de la gente que acude a los museos a ver arte y fotografiar lo que les sorprende a los visitantes cuando ven algo diferente. La reacción del visitante puede ser el de pasar sin advertir el juego, pero si algunas personas se paran, aunque sean cebos, sin duda, todos los visitantes se paran y es el momento de fotografiar las sorpresas. En estos momentos ya tienen 60.000 retuits de sus imágenes colgadas en la red social de Twitter.

Pero la pregunta siempre sobrevuela por encima de la realidad del Arte Contemporáneo. ¿Podemos engañar al espectador? ¿Podemos engañar a los Comisarios de los museos? ¿Y a los marchantes que buscar el negocio en la venta de ciertos productos artísticos que la inmensa mayoría de la gente no los entiende así? ¿Tienen que ser entendidas y admitidas las obras de arte por la inmensa mayoría, o sólo por los que quieran pagar por tenerla, aunque sean minoría? ¿Qué pensaría Diego Velázquez si viera ahora una obra de Miró, de Dalí, de Paul Klee? Pues igual tendríamos que decirle a Velázquez que está equivocado si dijera que estos artistas no lo son.

¿Debería la pintura acercarse a la literatura?

Yo tenía 27 años y fue una de las primeras obras surrealistas que saqué desde dentro con la rabia de algún conflicto bélico no muy determinado. Eran tiempos de Guerra Fría y a veces de sobresaltos. No sabía pintar, pero necesitaba expresarme.
 
¿Debemos emplear el arte para comunicar estados del pensamiento? ¿Debe el arte pictórico acercarse a la literatura, contando historias y sensaciones? ¿Debe el arte transmitir historias o sólo reflejar elementos que ocupan espacios, manchas que se contrapesan con otras manchas? ¿Cuántos artes hay dentro de cada arte?

Podríamos no acabar de preguntarnos sin respuestas únicas. Una de las consignas de crear es precisamente no acabar la obra con la firma, sino seguir observando para dudar y continuar así pudiendo seguir dudando. Una pregunta no siempre lleva una respuesta. E incluso esta no siempre sirve para aclarar la pregunta. A veces una respuesta la complica.

Esta obra se tituló "Se ha roto la paz". Creo que se podría seguir entendiendo igual. No somos capaces de restarle valor a la frase.

¿Sirven todos los museos a la cultura, en la actualidad?

Los Museos "Marca" se están tragando todas las (todavía pocas) visitas a los museos, pero en realidad son sólo una parte —aunque importante— del mundo cultural y artístico que existe. Pero precisamente la que mueven los mercados, sean turísticos, comerciales o de élite cultural y artística. 

El ejemplo del Museo Guggenheim es claro, pero otros en cambio, admitiendo esto, intentan huir a costa de mezclar conceptos novedosos y más seguros, para andar sobre dos aguas, mezclando las dos rentabilidades de un museo: la exploración de lo novedoso y la muestra de lo ya asentado. Serían los casos del Reina Sofía y el IVAM como ejemplos más conocidos, aunque cada vez hay más que trabajan la exploración, la búsqueda de "lo diferente".

En el camino se han ido quedando miles de posibilidades menores, que no crean conjunto y que suelen ser pequeños brochazos de artistas desconocidos y que caen rendidos al no abrir caminos suficientes según los deseos de cada artista. 

¿A qué aspiramos cada uno de nosotros cuando creamos? ¿Pretendemos algo más que sentirnos bien con lo que sale de nuestras manos? 

En la inmensa mayoría de nuestros intentos no  existe el mínimo deseo de lograr algo reconocible. Incluso ni algo duradero. Mucho menos algo que trascienda a nuestras propias existencias. Pero eso no quiere decir que no deseemos dar "viaje" a nuestras pequeñas y fáciles creaciones. Y hoy las posibilidades de crear pequeñas muestras digitales ayudan a dar luz a las obras menores.

¿Quien es el autor de la obra aquí publicada?

No siempre es sencillo otorgar la autoría a una obra derivada. No hay duda alguna de que esta pequeña escultura de alambre es propiedad intelectual de un artista determinado (desconozco el nombre del autor principal), pero una vez fotografiada la obra, encuadrada con un determinado punto de vista e incluso dotada de unas sombras que ni el fotógrafo ni el artista de la obra han creado, el conjunto toma una nueva personalidad. 

Vosotros, yo mismo en el momento de fotografiar el conjunto de obra y sombras con su fondo, dejadno ese ligero matiz caliente sobre el fondo, estamos creando una imagen, no una escultura. Es decir, creando una obra nueva. ¿Quien es el autor de esta obra, de esta imagen, que es al final lo que realmente estáis viendo vosotros? 

Yo creo que del fotógrafo como lo es de quien fotografía en un momento dado a unas personas en un ambiente y con una luz determinada. No es fácil admitirlo, pero es una de las bases de estos tiempos de mazcla en la creación.

Abrimos una ventana, para asomarme encadenado

Estas ventanas contenedores que llamamos blog también son como libros sin papel que lanzamos al aire en busca de espacio de multiplicación. Este en concreto nace en Madrid, para almacenar "mi" ARTE. Si no todo, pues es ya imposible, sí al menos el que ha ido quedando rezagado antes de morirse.


Es como una ventana que me ata a unas ideas, a una obligación. Es como una nueva cadena que con gusto me atrapa durante un tiempo. Todo es efímero. También nosotros. Así que montar contenedores puede ser una opción para durar un poco más. 
Madrid es mi (nuestra) ciudad que siempre nos quedará. Pero es también la fuente más cercana para beber y aprender arte. Por eso se merece nacer aquí.

23.5.16

El pintor Eduardo Salavera se ha ido…, mientras soñaba

Ha muerto hoy el artista zaragozano Eduardo Salavera, del que pudimos ver una retrospectiva en la Lonja de Zaragoza estas anteriores Fiestas del Pilar hasta el mes de enero de este 2016, bajo el título de “Segunda Mirada colectiva”.

Un gran artista que sabía jugar con su mirada del color hasta formar descomposiciones de todas las cosas, que en conjunto formaban otra vez los elementos que él imaginaba y que nos obligaba a mirar con otros ojos. Con su personal postimpresionismo nos llenaba de color las mismas sensaciones que él veía en sus momentos más cotidianos, y que toca la abstracción a veces para llevarnos a sus sueños. Sueños que parece ser, son los que se le han llevado desde su sillón.

Una de sus frases más conocidas es: “Se habla mucho del Mediterráneo, pero en un día despejado, la luz convierte las huertas de Zaragoza en un espectáculo inolvidable”. La imagen retrata a su esposa montada en bicicleta.

Las viudas caracoleras que no se notan

Una caracolera era en mis tiempos quien recogía los hoy prohibidos caracoles. Conocí a muchos más caracoleros varones, lo que me hizo creer que el oficio de caracolero tenía algún componente de sexo que yo desconocía. Curiosamente en mi barrio el caracolero del entresuelo murió y su viuda siguió con la cría de caracoles en el patio de luces de la casa. El caracolero del mercado que también vendía ajos y sería casualidad (o no) murió y su mujer siguió vendiendo caracoles en el puesto, aunque quien los recogía por los ribazos era su hijo en los fines de semana. Poco a poco los caracoleros se me fueron muriendo pero dejaron en su cargo a viudas caracoleras. Esta señora es de otra ciudad, en concreto del norte. No la conozco de nada. Espero no haber acertado, por el bien de su difunto marido. Joder, ya lo he dicho.

¿Quíen manda más, el ayer o el hoy?

Ayer publiqué esta misma imagen a color. Cosas de la cabeza me llevaron a pedirme que la volviera a publicar en blanco y negro. Son esas situaciones molestas en las que uno no se puede negar a sí mismo. ¿Quién manda más el ayer o el hoy? Pues hoy manda más el hoy, pero no tengo ni puñetera idea de quién mandará más mañana. Me dejo llevar y punto. Ya iremos viendo.

Cabeza en caliza de hace 3.300 años

Esta cabeza de caliza tiene unos 3.300 años de antigüedad y nos muestra posiblemente al encargado de trabajo de unos obreros de la construcción de Egipto. Una escultura muy antigua que nos lleva a comprender los deseos de buscar la eternidad con el arte desde siempre. Eran tiempos de la XIX dinastía en Egipto y esta cabeza debe ser de una persona sin un alto cargo, posiblemente en tiempos de algún Ramsés, el primero o el segundo. 

Se encontró entre las ruinas del Convento de la Ciudad (Deir el-Medina) cerca de Tebas junto al actual Luxor. Un lugar en el que el expolio durante muchos años privó de conocer hoy muchas de sus pertenencias de una ciudad importante donde se crearon miles de tumbas para los trabajadores de las pirámides. La ciudad llegó a tener unas 120 casas perfectamente construidas con familias fijas.

22.5.16

Estamos llenos de texturas. Nosotros somos una textura

El mundo está lleno de texturas, de superficies que se repiten para que la unidad al convertirse en grupo aparezca como otro elemento diferente y siendo compacto se convierta en uno sólo y con personalidad propia. Estas bolas no son nada. Pero en conjunto forman una enorme pared, un centro comercial inmenso, un nuevo material con forma de textura. Somos la suma de muchos, pues sueltos no somos en realidad casi nada.

Una mujer pensado…, en Birmingham

Te pillé pensando, tal vez soñando, no fuiste buscando sino que yo pasaba por allí. No parecías cansada sino ensimismada en tí misma, como metida hacia dentro. Nunca sabremos nadie qué pensabas en ese momento, ni tú misma si por esos imposible te volviera a encontrar enfrente de mis miradas con cámara. Tú…, no sabes que hoy estás aquí, ni te lo imaginas, pero lo estás y nunca lo sabrás. Es posible que seas inglesa, tampoco estoy seguro, y que aquella mañana estuvieras reventada por algo. No podrás contárnoslo, así que haremos lo bonito, lo fácil, imaginárnoslo. Que cada uno se imagine los motivos por los que esta mujer en la ciudad de Birmingham está descansando de sus ideas.

El desnudo mundo de Laurita Mazapán

Laura Mazapán (Laurita Mazapán) es una artista española afincada en Londres que trabaja en el Reino Unido dos conceptos artísticos complementarios para transmitirnos su mundo interior, y cómo este va transformándose según avanza por la vida común. Por una parte trabaja de forma excelente el arte efímero de la pintura corporal íntegra, empleando su propio cuerpo como el lienzo que soporta exteriormente sus ideas más interiores. Y por otro lado trabaja la fotografía artística para dejar constancia de sus trabajos y para dotarlos de ese punto de vista añadido que complementa la pintura corporal. La mezcla de ambos conceptos artísticos logra un objetivo muy claro. Crear sensaciones bellas, pero también transmitir sentimientos que expresan mundos interiores que muchas veces son comunes en todos nosotros.

Podemos ver sus obras en su cuenta de Facebook, en la de Instagram o en su propia página web.

21.5.16

James Nachtwey, merecido Príncipe de Asturias 2016 en Comunicación

James Nachtwey ha recibido el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2016 por su trabajo periodístico y como fotógrafo de todo tipo de guerras y maldades humanas, fielmente retratadas para que a nadie se nos olvide el dolor de otras personas, que a veces creemos desconocer, para así sentirnos mejores.

Todavía en activo, nació Nueva York en 1948, obtuvo formación en Historia del Arte y Ciencias Políticas en Massachussets, aunque ha tenido que trabajar como marino mercante o camionero, y como editor de películas documentales de guerra. Como fotógrafo de guerra empezó en el conflicto civil de Irlanda del Norte en 1981 durante la huelga de hambre de los miembros del IRA y el INLA. Ha pertenecido a la agencia MAGNUM y trabajado largamente con la revista TIME. Su obra se ha expuesto en lugares tan variopintos como Nueva York, París, Roma, Madrid o San Diego. En 2003 trabajando para TIME en Bagdad fue herido por una granada que le dejó inconsciente durante un día. Entre los premios recibidos posee duplicado el Leica Award y el Worl Press Photo y el conmemorativo de Martin Luther King.

Su cuatro décadas de trabajo en todo tipo de conflictos y catástrofes y su trabajo reconocido pero además formando un todo en su técnica, espesa, cruda, en blanco y negro, impactante y con ciertas miradas escondidas de esos desastres de la guerra que tan bien supo retratar a mano nuestro genial Goya, le suponen tener una gran carrera profesional donde ya es reconocido como un maestro.

Son sólo imágenes. Lenguaje para la mirada

Son imágenes que he ido cazando por mis paseos buscando el simbolismo de cada momento. No tienen unidad, no representan un todo, sino simplemente momentos, si acaso espacios largos de un tarde o una mañana. Son miradas, apariciones en mis caminos. Por eso forman parte de mi, y las llevo en el recuerdo. Son mis trofeos de caza.

15.5.16

En recuerdo también a los errores que se cometieron

En recuerdo a lo que fue. A lo que no llegó a cuajarse. A lo que se intentó en varias ciudades españolas como grito de una juventud que necesitaba tomar el futuro. En recuerdo a lo que lograron desmantelar sin prohibirlo. En recuerdo también a los errores que se cometieron. En recuerdo a la paz, a la convivencia, a los círculos y el debate, a la libertad.

14.5.16

Un laberinto árabe de Patricio Cabrera

Esta obra del pintor sevillano Patricio Cabrera, y titulada “El jardinero” se realizó en el año 2004 en acrílico sobre lienzo. Pintor muy reconocido en Andalucía sobre todo, trabaja mezclando elementos actuales con arabescos de la tradición cultural andaluza que nos llevan con la mirada de sus obras hacia el descubrimiento de diversos elementos urbanos, naturales, en un juego laberíntico que sin perder esa construcción de jardín árabe juega con el espectador para llevarlo a desentrañar un laberinto de formas que cada uno descubre y visita como él quiere o como el momento le permite. El fuerte color, la contundencia de los contrastes ayuda a no perderte en los descubrimientos de cada obra.

Ángel Planells y su mundo daliniano y surrealista

Ángel Planells nos dejó en el año 1929 este cuadro titulado “Composición surrealista” en óleo sobre tabla que refleja muy bien el concepto de aquellos años sobre un surrealismo daliniano donde el mundo de los sueños parecía estar abocado a segmentos de realidad muchas veces flotando sobre la magma del subconsciente. Hoy somos más contundentes, dentro de ese mundo onírico de imaginarnos lo que no es, o al menos lo que no es fácil ver.

13.5.16

Imitar la vida no es vivir. Es morir poco a poco

Hay muchas formas de imitar la vida, y una de ellas, tal vez la más simple y sin duda la más automática es simplemente vivir. Vivir es dejarse llevar, es dejar que caigan sobre ti todos los componentes de la vida, poco a poco, mes a mes, año a año, hasta que se acabe la energía y se apaguen las luces. Imitar la vida no es vivir, es simplemente avanzar hacia la muerte. Pero cada uno de nosotros podemos hacer aquellos que más fácil nos plazca copiar. De lo que es seguro es de que no seremos capaces de parar la caída de las energías y la luces. Lo que sí podemos hacer es disfrutar en esos intermedios.

Nuria Fuster y sus objetos unidos para vivir

La artista Nuria Fuster emplea objetos casi habituales para crear composiciones que deconstruye, destroza, recompone o monta para formar algo diferente a cada una de sus partes. Los objetos tienen vida propia por ellos mismos, y más si se logran mezclar para que hablen entre ellos. Crean naturalezas propias, que resultan sin duda extrañas a la primera mirada, pero que cumplen con el sueño de obtener una vida nueva, una visión propia de la unión de objetos inconexos. La belleza está también en la mirada que es capaz de mezclar los elementos hasta formar uno propio y distinto.

Una Piedad del Francisco de Goya joven

Esta Virgen de la Piedad, no excesivamente maravillosa pero muy natural y expresiva, dolorosa y personal está atribuida a Francisco de Goya pintada en sus años jóvenes, entre 1772 y 1773. No es un cuadro grande, su tamaño es de 58 cm de ancho por 84 de alto, pero la expresión de las dos figuras, es más que elocuente. Una mirada ya está ya muerta y la madre busca en lo alto la comprensión propia de su momento tan doloroso. La luz cenital acompaña perfectamente la posibilidad de que desde el cielo se esté mirando toda la escena con suma atención.

8.5.16

Una familia hablando de sus cosas

No es complicado ver a familias hablando de lo suyo, más ahora que con los primeros calores es más fácil salir a la calle a pasear. Hablamos, nos contamos nuestras dudas, nos miramos a los ojos y sonreímos. Es lo que más o menos hacen estas palomas encima del árbol del parque. Todo es muy habitual, de lo más normal siendo primavera.

Una puerta muy comprimida llena de arte

Al arte callejero, el arte efímero de los grandes artistas del presente, sin ánimo de lucro en la mayoría de los casos, no dejan maravillosas obras adaptadas al entorno, al espacio. Esta obra recogida por mis viajes sin moverme del sillón es de Skio y previsiblemente estará en París donde crea la mayoría de sus obras.

7.5.16

Si te preguntas qué es el surrealismo, mira lo que rechazas

Si te preguntas qué es el surrealismo, mira la viñeta. El surrealismo eres tú. Es tu mundo interior que filtramos para que nos muestre sólo aquello que es “normal” olvidándonos de que existen muchos otros mundos posibles, muchas otras formas de ver lo que nos rodea. Los filtros los ponemos nosotros, pero las formas de ver el mundo son infinitas.

6.5.16

Una verja de lo más común. Pero por eso está

Lo más elemental si está sacado de su contexto puede seguir siendo de lo más elemental. Pero es un elemental diferente. Más bonito. O más feo. Esta verja es simple, vieja, repintada, doblada por el tiempo y no muy antigua ni importante pues no está entrecruzada. Pero tiene dos detalles que la convierten en curiosa. Su imperfección y el marco de piedra. Nada más. Eso y mirarla.

4.5.16

Formas y color en la pintura, para mostrar la vitalidad

Esta obra es de la artista Belén Rubio Bartolomé, joven y autodidacta pintora que sabe jugar con las forman y los colores, las manchas y las formas, para crear obras mezcla de surrealismo y naif, llenas de vitalidad y de composición. Una forma de admitir todos que el arte tiene muchos caminos, y todos ellos sirven para expresar energía y potencia. Es una forma de escribir con colores, con formas, para contar sueños.

2.5.16

Veremos los colores, las formas, las texturas de la muerte metálica

Nunca sabremos quien fue el último que se asomó a esta ventana ya oxidada, siendo ventana. Pero existió. Y también existió la primera persona que bajó la ventanilla, el cristal presionando hacia abajo, y se asomó al exterior buscando el aire sobre el rostro. Tampoco sabemos si estas personas se están conservando tan mal como el vagón del tren, si ya no están ni conservadas como esqueletos o si todavía son capaces de visitarnos y contarnos su viaje. Estos pequeños secretos, todos sin importancia, son los que realmente podrían llenar de vida este esqueleto oxidado. Como nos lo tenemos, nos conformamos con ver los colores, las formas, las texturas de la muerte.