30.7.17

Susy Gómez y sus gritos femeninos

Susy Gómez es una artista catalana de gran reconocimiento tanto en España como fuera de nuestro país. Esta obra “Intitulada” nos muestra una pequeña parte de su trabajo sobre mujeres anónimas, disimuladas en su personalidad, pues así las contempla la propia sociedad.

Fotografía revistas donde aparecen mujeres y las modifica, las transforma, las trabaja hasta convertirlas en mensajes diferentes, en gritos y alarmas. Esta imagen es de una exposición suya en Málaga, en el año 2009

27.7.17

La obra de arte elegida en Reino Unido es de Banksy

El grafiti de una niña a la que se le escapa de las manos un globo con forma de corazón realizado por el famoso artista inglés Banksy ha sido elegida la obra de arte preferida en Reino Unido, según una encuesta realizada.


La pintura realizada con plantilla y titulada Balloon Girl (Niña con el globo), y que apareció junto a una tienda del este de Londres en 2002, lidera una breve lista de las mejores obras de arte británicas. La obra fue retirada y vendida en 2014 por unos 560.000 euros, pero ha sido reproducido infinidad de veces en todo tipo de soportes.

Aquí vemos la obra en su lugar original hasta el año 2014. En la pared y a su derecha podemos leer la frase: "Siempre hay esperanza".

25.7.17

Anne Marie Schneider y una acuarela que mira

La artista francesa Anne Marie Schneider nos dejó en Madrid sus sueños y trabajos, sencillos y contundentes, su espontánea forma de retratar con acuarelas las miradas de las personas que le interesan. O no.

Manchas, historias, dibujos simples, literatura pintada, sueños, sensaciones. Como ella misma afirma: "Trabajo con la conciencia y la inconsciencia al mismo tiempo mientras creo".

22.7.17

Salvador Victoria, un pintor abstracto aragonés

Salvador Victoria Marz fue un artista abstracto español, nacido en Rubielos de Mora (Teruel) en 1928. Estudió Bellas Artes en Valencia, Granada y París y en el año 1963 funda en esta última ciudad el "Grupo Tempo". Unos años después se traslada a Madrid como profesor de la Universidad Complutense.


En su localidad natal Rubielos de Mora se creó la "Fundación Museo Salvador Victoria" ubicada en el antiguo Hospital de Gracia, un edificio del siglo XVIII, donde se expone una parte de su obra junto a la de otros artistas contemporáneos españoles.

Juana Biarnés y su fotografía de Orson Welles

Juana Biarnés es una de las primeras fotógrafas periodistas y con oficio, que intentaron romper con su profesionalidad y dedicación a la fotografía, un trabajo que parecía reservado a hombres, en sus facetas sociales, artísticas o de sucesos.

Visto su trabajo hoy, nos queda esa mirada diferente, claramente artística de sus obras, buscando unas imágenes diferentes que representaran el valor de la fotografía como elemento que explica mucho más que unas pocas palabras.

En esta imagen vemos a Orson Welles en la plaza de toros de Sevilla, en el año 1966

21.7.17

Katsushika Hokusai y su Gran Ola de Kanagawa

El artista Katsushika Hokusai en el año 1833 realizó los grabados que dieron origen a la obra que estamos contemplando, “La gran ola de Kanagawa” o mejor recordada como “Bajo una ola en altamar en Kanagawa”. Realizada en estilo ukiyo-e es una de las más conocidas estampas del arte japonés.

Con los grabados originales se realizaron miles de copias que hoy están depositados en varios museos de todo el mundo y entre coleccionistas particulares. Muestra como una gran ola se desploma sobre varias barcas de pescadores, buscando una similitud de la espuma del agua con los copos de nieve del monte Fuji que vemos al fondo.

Ayer El Mundo nos recordaba unas palabras del autor poco antes de recibir el encargo de esta serie de 36 grabados sobre el Monte Fuji: "Estoy sin dinero, sin ropa, apenas lo suficiente para comer. Si no me llega un encargo para la mitad del segundo mes, para mí no habrá primavera"

Cuando acabó la serie escribió: "A los 73 años aprendí algo sobre la forma verdadera de las cosas (...), a los 80 años habré hecho un cierto progreso (...) a los 100, seré un artista divino..." Falleció a los 89 años de edad.

Virgen sentada con el niño, de Plandogau, Lérida

En el siglo XII, en plena Edad Media, la religión era fundamental para sujetar a los pueblos. Todas las localidades tenían sus propias vírgenes como esta de la pequeña localidad de Plandogau en Lérida, pintada con colores vivos y realizada en madera, pero simulando ser un objeto metálico y muy duradero.

Eran imágenes ásperas, serias, demostrado poder y capacidad de disponer lo mejor o lo peor para los fieles que las contemplaban, las rezaban o las sacaban en procesión.

El poder de la religión era en mucha ocasiones y sobre todo en localidades pequeñas, superior al poder de las administraciones. La iglesia además de tener el control de la fé y el miedo de las personas, disponían de enormes cantidades de tierras, controlaban los alimentos de las zonas de su influencia, y eran los depositarios de las culturas, las tradiciones, incluso de algunos hijos e hijas de las grandes fortunas de la zona.

Tenían el tesoro del Cielo, entre los bienes de su propiedad que podían administrar con el miedo y la fe entre sus feligreses. Nada era más importante que poder controlar si al final, cuando eras más débil en tu vida, iban a regalarte el Cielo o el Infierno.

20.7.17

Una ventana en los huesos

Un objeto incapaz de seguir con vida propia. Una ventana adosada todavía a una pared moribunda. Una sensación. ¿Vive alguien de los que se asomaban para ver la calle?

Hoy ya nadie se asoma a ella, pero la utilizaron para mirar y dejarse ver. Hoy está en espera de ser enterrada, enronada más bien. Son cosas de la propia existencia fugaz. Quedan los huesos de la vida que tuvo.

Y en qué sueña Antonio López?

A Antonio López como artista se le puede venerar o puede no gustarnos. Eso es el ARTE. A mi me parece un artista genial y lleno de humanismo. Pero cada uno tiene sus colores preferidos. Os dejo una entrevista que han publicado en la Vanguardia.

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Ni Baltasar, ni Gaspar, ni Melchor...
Pese a nacer el día de Reyes me llamaron como mi abuelo, y me alegro porque lo quería muchísimo. Su amor hacia mí era incondicional, claro y sin fisuras. Todavía sueño con él.

¿Y qué sueña?
Que me cuida, es más que un sueño, es una sensación. Y luego está mi tío Antonio, el pintor que me inició en su oficio a los 13 años. Mi padre era agricultor y no quería que yo viviera su vida, pero yo prefería el campo a una oficina.

¿Cree usted en el destino?
Sí, y me ha tratado muy bien. Lo único que me ha dejado mal recuerdo es la aspereza, la violencia de los adultos que a veces se desahoga con los niños, pero también hubo mucho amor. Y la pintura me lo ha dado todo, no he necesitado más, ni más amores, ni más viajes...
No creo en el arrepentimiento. Yo trato de hacerlo todo muy bien y he tenido instinto para eso, pero no bajo a las profundidades.

¿Qué le ha sorprendido de la vida?
Nada. Me asombra lo poco que me sorprenden las cosas que a la gente le sorprenden. Hoy ya no tenemos que ir a la guerra con trajes de hierro, pero hay cosas muy siniestras, se ve en el arte, que es muy sombrío. Ahí está el barroco, y Goya… Sí, en su época les pasaban cosas terribles, pero tenían a los dioses muy cerca, muy a mano, y le daban sentido al dolor. Hoy la falta de sentido ha debilitado al ser humano y el arte habla de aniquilación.

Usted ¿en qué cree?
Creo que si fuéramos más inteligentes nuestra vida sería mejor. Gran parte de nuestros problemas tienen que ver con gobiernos sin talento, algo que se repite desde hace siglos con pocas excepciones, pero la vida es buena. No pienso  la muerte, no me susurra.

Se casó usted con una gran pintora.
Y gran persona. El amor tiene una presencia enorme en la vida. No sentirse amado es una gran desgracia. Woody Allen dice que encontrar a la persona adecuada es cuestión de suerte. Para mí es cuestión de instinto, y tengo mucho, he elegido siempre bien a la primera: amigos, amor...

Siendo una gran pintora, María Moreno ha quedado en la penumbra.
Ha ocurrido con muchos figurativos. Además, Mari no ha sido ambiciosa, y ha sido muy generosa con sus hijos y conmigo pese a que yo siempre le insistí en que se centrara en la pintura.

¿Cómo conseguir que el amor sobreviva?
Requiere paciencia, por eso nosotros pese a los años seguimos juntos. Pero lo natural es no seguir, lo lógico es que a los siete o diez años tengas que cambiar de pareja; si no, tienes que sacrificar muchas cosas y esforzarte. Y dejar mucho espacio a la otra persona, pero igual se va. No temer es importante. Y me parece fundamental tener un trabajo que te llene la vida. Nadie se merece la desgracia de hacer algo que no le gusta, es la mitad de la vida, y la otra mitad es el amor, el resto es suerte. Igual tendría que ser más fácil.

¿Ha encontrado usted el sentido de lavida?
Creo que el sentido está en la adecuación natural a la vida, como la tienen las moscas, los gatos o cualquier mala hierba. Todo es naturaleza.

En sus cuadros hay un misterio.
En el arte de verdad siempre lo hay; el arte tiene que ver con la emoción, como en el arte antiguo, la ves incluso en una cajita egipcia, en un gato momificado. Hasta hace 2.000 años todo era arte, los motivos para hacer las cosas eran tan esenciales que el error no cabía.

¿Cuál es el misterio?
Que la muerte, la vida, la luna, el sol, el firmamento…, todos los grandes motivos del hombre eran el contenido de su trabajo y estaban presentes de manera natural. A partir del rena­cimiento ese misterio del mundo, ese enigma prodigioso, es sustituido por otros motivos ­inferiores.

Igual no sabemos mirar.
Hay gente que no quiere mirar y gente que no tiene miedo a mirar.

¿Es feliz?

La palabra felicidad no está en mi vocabulario. Yo creo en la adecuación al hecho de vivir. Pero canturreo a menudo. El disfrute de la vida está en cosas inexplicables, tal vez insignificantes.

Collage titulado "Biología", para ver técnicas sencillas

El artista David Moreno creó esta obra en el año 2013 a la que tituló “Biología”, empleando técnicas muy simples. Un collage de letras recortadas, pegadas sobre un fondo de color y sobre todas ellas unas líneas direccionadas hacia los extremos. Con independencia del resultado final o de la plasticidad de la obra, lo que debemos entender es la apertura actual del arte a todo tipo de técnicas, con las que podamos o deseemos explicar algo. Después seremos nosotros, como espectadores o receptores del mensaje, los que deberemos valorar o no cada obra.

No penséis en lo sencillo del trabajo. Si vosotros queréis explicar algo con esta técnica, practicar. Hacerlo. 

Nada es tan sencillo como hablar, y por eso todos hablamos. Unos mejor que otros, sin duda. Pero hay muchas formas de hablar y muchas herramientas para hablar.

18.7.17

Adoración de los Magos de El Bosco

Hacia el año 1495, el pintor El Bosco realizó esta tabla al óleo de 138 x 138 cm “Adoración de los Magos”, por encargo del matrimonio Pieter Bronchorst y Agnes Bosschuyse para colocarla en la capilla de la Cofradía de Nuestra Señora de la catedral de Hertogenbosch.

Confiscada por el duque de Alba, éste se la regaló al Rey Felipe II. En el año 1574 se traslada esta obra al monasterio de El Escorial, donde permanecerá hasta su traslado al Museo del Prado en 1839, donde se encuentra expuesta. Es una obra cumbre donde El Bosco nos muestra toda su categoría y su forma de construir obras con personajes icónicos, con los que va contando historias, tanto en ellos como en todos los elementos que van apareciendo en el suelo o en las manos de los personajes. Nada está por casualidad, y todo representa un mensaje.

No es fácil encontrar en esta obra a San José, en un segundo plano del total de la obra, secando los pañales del Niño.


17.7.17

La escritura en la pared, de Antoni Tapies

Como si de un graffiti se tratara, Antoni Tapies hizo esta obra en el año 1971 y la tituló “La escritura en la pared”. Abstracto informalista y autodidacta, fue uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX, cuyas obras están expuestas en los mejores museos del mundo.

14.7.17

Un cartel del infierno, en Londres

Este cartel de Londres es casi todo un catálogo de intenciones. Una publicidad callejera de Tinder, la red social para disfrutar en horizontal. O no. De entrada para disfrutar de la pantalla del teléfono.

Sin duda todxs debemos preguntarnos si este cartel debe estar en un lugar como este, donde casi siempre solo caben obras de arte. Las debilidades son humanas. Muchas veces el arte está en el encuadre, en el diseño, en el color, en las formas. La llama como icono de Tinder ya es un llamamiento caliente al arte visual.

Pero si nos paramos unos segundos…, observaremos dentro de nuestros calientes sesos que nos estamos adentrando en el infierno. ¡¡Dios!!, igual Tinder es el infierno, son las llamas eternas y no nos habíamos dado cuenta.

Creo…, ¡uff!, que cada vez somos más los que queremos estar en el infierno. Este y no otro, debe ser el famoso cambio climático que dicen algunxs.

Fotografía de Nuria Pérez

Leonid Afremov y sus trabajos de espátula

El artista bielorruso Leonid Afremov nacido en el año 1955) es un pintor con nacionalidad israelí que trabaja sobre todo los paisajes y escenas urbanas, flores, marinas y retratos coloreados vívidamente entre zonas totalmente grises, sin color.


Generalmente utiliza espátulas como herramienta, y pintura al óleo como material, para sus producciones más conocidas, realizando la obra en blanco y negro o en colores base y añadiendo con posterioridad los toques o golpes de color contrastado y vivo que marcan la personalidad de sus obras. Son precisamente estos golpes de color los que llaman la atención de la vista en el primero momento, para ser los protagonistas de la obra

13.7.17

No son aguas, son prados del Pirineo, disimulados por el movimiento



Las composiciones abstractas, las manchas o las pieles de los elementos, también son un motivo para fotografiar creando. Transmitir sensaciones es un ejercicio válido si se quiere decir algo, si se juega con las formas y las luces. En estos casos hay que atreverse a plantear nuevas formas de ver, de distribuir elementos o manchas. De incluso hacer dudar sobre qué estamos viendo.


12.7.17

Carlos García Lahoz y su escultura conceptual

El artista zaragozano Carlos García Lahoz, ha inaugurado este martes en Tiflis, la capital de Georgia y para simbolizar los 25 años de relaciones diplomáticas entre España y Georgia, una escultura conceptual titulada “Arte”.

La obra compuesta por tres cubos rectangulares y de cemento en colores gris, rojo y negro, que fueron pintados en Georgia, se instalaron en la avenida del poeta Vazha-Pshavela de la capital georgiana, en una ceremonia en la que estuvieron presentes representantes de España y Georgia.

"La gente puede venir aquí, sentarse encima de la obra, descansar y charlar, meterse literalmente en el arte", comentó Carlos García Lahoz. La iniciativa de celebrar el aniversario con la escultura partió de las empresas españolas Cobra y Assignia, que en septiembre próximo tienen previsto abrir en este mismo lugar la estación de metro 'Universidad'.

"Este lugar se convertirá en un símbolo de la unidad entre los georgianos y los españoles", afirmó durante la ceremonia Víctor Murcia, encargado de negocios de España en Georgia. Y recordó que arquitectos españoles también diseñaron otras obras en Georgia, como el nuevo Parlamento en Kutaísi, o la Torre del Abecedario en Batumi.

Carlos García Lahoz, nacido en Zaragoza en 1969, es un pintor y escultor autodidacta que busca emplazamientos diferentes para sus creaciones. En el año 2011 se trasladó a Kiev, la capital de Ucrania, desde donde ha desarrollado su actividad artística. En ese país también ha trabajado en proyectos escultóricos públicos en Odessa, y en España lo ha hecho en Zaragoza, Huesca y Bilbao.

"Toda mi escultura es conceptual, utilizo la geometría para hablar de conceptos como éxito, soledad, hipocresía o amistad. Busco a través de la pintura y la escultura expresar cosas que me preocupan de la sociedad", explica el autor que tiene varias obras suyas en Aragón y ha expuesto decenas de ocasiones sus obras por países del Este de Europa.

Nota.: Parte de los textos y la imagen, ha sido publicado en Heraldo de Aragón

11.7.17

Besar el culo, de la artista Lee Lozano

Lee Lozano, artista contracultural y conceptual americana, nos dejó entre sus muchas obras, casi todas provocativas, esta pintura que aunque no la quiso titular, con la frase que nos deja en ella queda claro su mensaje.

“Besar el culo”

No tuvo una vida fácil, radicalizada casi hasta el extremo de no querer relacionarse con otros seres humanos, murió joven, con una trayectoria artística sin acabar, que en este 2017 podemos contemplar en el Reina Sofía de Madrid.

Esto no es España, pero sí es España

Un hombre rompe el silencio en la Gran Vía de Madrid tocando la trompeta. 

El sol marca el negro sombra, mientras se apresura a esconderse por la hora.

Al trompetista le quedan breves para que el frío del otoño le afecte.

El cartel anuncio es lo de menos, nadie lo lee. La música es deficiente.

Esta es la imagen que le gusta a los europeos y americanos de la España actual.

Miguel Hernández: Las abarcas desiertas

Este poema del artista Miguel Hernández fue publicado por primera vez en el diario de Madrid "Ayuda", el 2 de enero de 1937, un periódico de solidaridad a favor de los más desfavorecidos, y nos trae los recuerdos de infancia de Miguel, nos lleva a la época de su vida "más fea por malponiente y maloliente", como él mismo diría. 

España estaba en plena Guerra Civil y la evocación de aquellos años de inocencia infantil se ven enturbiados por sus convicciones y reivindicaciones sociales. Se sirve de un acontecimiento aparentemente gozoso –la llegada de los Reyes Magos– para esbozar una amarga queja contra los distintos estamentos del poder que se muestran ajenos a la miseria de la población, y de las condiciones en las que vivían en la más miserable de las zonas de aquella España rural.

Patetismo y nostalgia infantil que utilizaba la poesía como un medio de reivindicación contra la negativa condición social de los desfavorecidos. Es un poema joven, pues tenía 26 años cuando lo escribió.

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"Las abarcas desiertas"                            

Por el cinco de enero,
cada enero ponía
mi calzado cabrero
a la ventana fría.

Y encontraban los días,
que derriban las puertas,
mis abarcas vacías,
mis abarcas desiertas.

Nunca tuve zapatos,
ni trajes, ni palabras:
siempre tuve regatos,
siempre penas y cabras.

Me vistió la pobreza,
me lamió el cuerpo el río,
y del pie a la cabeza
pasto fui del rocío.

Por el cinco de enero,
para el seis, yo quería
que fuera el mundo entero
una juguetería.

Y al andar la alborada
removiendo las huertas,
mis abarcas sin nada,
mis abarcas desiertas.

Ningún rey coronado
tuvo pie, tuvo gana
para ver el calzado
de mi pobre ventana.

Toda la gente de trono,
toda gente de botas
se rió con encono
de mis abarcas rotas.

Rabié de llanto, hasta
cubrir de sal mi piel,
por un mundo de pasta
y un mundo de miel.

Por el cinco de enero,
de la majada mía
mi calzado cabrero
a la escarcha salía.

Y hacia el seis, mis miradas
hallaban en sus puertas
mis abarcas heladas,
mis abarcas desiertas.

10.7.17

No es lo que parece. Pero tampoco sé qué parece

Como todo es según como se contempla, podemos engañarnos con horrorosas imágenes de la nada, creyendo que son lo que efectivamente son. O no son. Es decir: NADA.

Casi todo lo que vemos —que por cierto, en casi todos los casos es lo que nos quieren mostrar— no es como lo estamos viendo.

Ya procuramos todos trampantojear las sensaciones…, para producir monstruos o bellezas, pero todas ellas mentira.

El caso es que logremos engañarnos todos. Pero siempre llevando el agua a mi acequia.

La clave está en el instante del disparo

Esta imagen del fotógrafo Alexander Walloschke nos muestra claramente lo que supone en el éxito acertar con el momento, el instante en el que hay que disparar. Es una auténtica “caza” del segundo. De la décima de segundo. Un instante antes o después…, y ya esta imagen no nos vale lo mismo.

Se puede jugar con ventajas a la hora de trabajar. Elegir siempre el mismo lugar es una de ellas, pues así conoces bien sus posibilidades. Sea como en esta imagen de San Fermín 2016 o sea en una imagen social de una plaza determinada. Conocemos los instantes, el tipo de luz, la distancia de enfoque, parte del encuadre.

Otra ventaja fotográfica actual son las series de disparos. Hoy las cámaras de calidad pueden realizar entre 4 y 8 disparos por segundo, para después elegir la que mejor muestre lo que deseamos enseñar.

9.7.17

Exposición NSK del Kapital al Capital. Neue Slowenische Kunst

La exposición NSK del Kapital al Capital. Neue Slowenische Kunst en el Reina Sofía de Madrid, nos ofrece sorpresas para digerir lentamente como esta “Segunda Carta de las Hermanas” que hay que leer con calma, y una vez leída, hacer lo que cada uno desee en ese momento.

Sí. Es posible gritar contra el blog.

La exposición es un hito artístico de la década final de Yugoslavia como país comunista unido pero con unos gritos enormes por recobrar la libertad como sociedad, es la primera retrospectiva en España de NSK (Neue Slowenische Kunst), un colectivo de artistas eslovenos multidisciplinar y polifacético, protagonizó un momento irrepetible de explosión cultural en la Yugoslavia de los años ochenta, articulando una de las experiencias más significativas de los países de la Europa del Este durante la Guerra Fría.

María Paz Torres Freixinet expone en Daroca este verano

En este blog ya hemos puesto alguna obra de María Paz Torres Freixinet. Artista aragonesa y profesora de arte. En esta ocasión os traigo dos carteles de la misma exposición que con obras de carboncillo y óleo, presenta en Daroca del 28 de julio al 13 de agosto de este 2017. Una buena ocasión para ver ARTE en una buena exposición y para volver a verlo paseando por la bella Daroca.

Retoque digital. Permitido o sacrilegio?

Hoy se critican en algunos medios y foros las manipulaciones o mejor dicho, trabajos de retoque y postproducción, que le podemos realizar a una imagen de forma digital. Son posturas complicadas de encajar, pues todo artista tiende a irse a los extremos. O no desearían hacer nunca ningún retoque digital, o permitirían todo tipo de trabajo sobre el negativo digital tomado.


Los que venimos del revelado a mano, en laboratorios industriales o de aficionado, pero donde nos fabricábamos nosotros mismos los reveladores, sabemos que ya entonces y de forma artesana, se actuaba sobre la imagen tomada, para lograr más o menos contraste, más o menos tono, modificando el tipo de revelador, la temperatura de este, el tiempo, la agitación, tanto en el negativo como en el positivo sobre papel.


Era normal emplear máscaras difusas a la hora de exponer el papel, como lo era el de echar vaho o aliento con la boca sobre el papel mientras se revelaba, en zonas determinadas, para que al tener más temperatura, actuara de otra forma el revelador, para sacar detalles en altas luces, por ejemplo.


El mundo digital ha simplificado todo esto, pero los virados existían, los encuadres se realizaban en muchos casos, y también había fotógrafos que preferían sacar una zona del marquito, para qe se viera que la toma positivada era la misma que la fotografiada, sin encuadre posterior.


En la misma medida había fotógrafos que fabricaban por contacto máscaras sobre las diapositivas y las empleaban para modificar colores, sensaciones o texturas.

Lo único que al final importa, es el resultado acabado. Si está bien, si nos dice lo que deseábamos transmitir, las herramientas no importan casi nada.

La imagen está tomada en las escaleras del edificio Espacio Telefónica de Madrid.