28.12.09

Arte en papel recortado


Arte es todo lo que produce un movimiento en el cerebro que nos hace temblar un poquito al menos. Y estos recortes de papel son arte manual sin discusión, sencillo arte en papel, aunque posiblemente arte complicado de narices.
Si no tienen trampa las imágenes, es un trabajo escultórico en papel, digno de admiración.
Os deja la dirección aquí.

26.12.09

Chagall, la cigarra y la hormiga

Era un tesoro disperso, un bestiario colorista que estuvo perdido durante medio siglo. En los años veinte, mientras Bella Rosenfeld, la primera mujer de Marc Chagall, leía y releía en voz alta las fábulas de La Fontaine, el pintor ruso aprendía francés y, al tiempo, pintaba sus fantásticas visiones. 

"No sé de dónde saca semejantes imágenes, debe de tener un ángel en la cabeza", "¿De dónde saca esas imágenes? Debe de tener un ángel en la cabeza", dijo Picasso

Para muchos supuso la ruptura con las ilustraciones clásicas de Doré

El editor y galerista Ambroise Vollard le encargó que ilustrase esas fábulas, pero el proyecto nunca vio la luz. Ahora, la editorial italiana Donzelli acaba de publicar aquella obra oculta que mezcla el universo mágico del artista ruso con la sabiduría y el ingenio del poeta francés a lo largo de 43 textos en verso. Favole a colori (Fábulas en color) es, además, el resultado de la búsqueda de un pequeño editor.

La idea nació en el mes de marzo, cuando Carmine Donzelli descubrió "casi por azar" un catálogo de una exposición de Chagall. 

"Fue durante la última feria del libro de París", explica. "Entré por casualidad en el stand de la Reunión de los Museos Franceses". Allí descubrió los gouaches que Chagall había pintado para ilustrar las fábulas escritas por La Fontaine entre 1668 y 1694 y que durante generaciones han servido para mostrar el comportamiento humano a través de animales que encarnan vicios y virtudes. 

El descubrimiento le empujó a recuperar un viejo proyecto nacido en París en la segunda mitad de los años veinte. Por aquel entonces, Chagall (Vitebsk, Bielorrusia, 1887-Saint Paul de Vence, 1985) vivió su segundo periodo en la capital francesa, después de una primera estancia de cuatro años, entre 1910 y 1914, a la que le empujó su fascinación por Cézanne y Matisse.

El arte español del exilio, en 'Después de la alambrada'


El arte español del siglo XX quedó violentamente fracturado por el conflicto bélico de 1936 y su fatal desenlace, partiéndose en dos hemisferios cronológicos claramente diferenciados y separados por la Guerra Civil, unos efectos que se acrecentaron como consecuencia de la II Guerra Mundial. 

Tras la victoria de los sublevados, muchos españoles fieles a la República se vieron forzados a abandonar el territorio nacional, entre ellos un buen número de artistas que, por razones políticas o de asfixia cultural, debieron exiliarse y se dispersaron por varios rincones del planeta.

Sin embargo, gracias a la exposición 'Después de la alambrada. El arte español en el exilio 1939-1960, organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Universidad de Zaragoza para conmemorar el aniversario del comienzo del exilio, puede conocerse la aportación a las nuevas tierras de acogida de los artistas que emigraron y la importancia artística del exilio. 

La muestra reunió casi 200 piezas de medio centenar de artistas que ahondan también en las claves temáticas y formales del imaginario artístico del exilio así como en los elementos que asociaron o disociaron el arte producido antes y después de la contienda.

Todas las piezas han sido cedidas para la ocasión por más de 70 colecciones públicas y privadas de dentro y fuera de las fronteras españolas, aunque no sólo se exponen aquellas que realizaron durante su exilio sino también algunas otras que crearon durante el periodo republicano. 

Tanto es así que la exposición permite ver por vez primera en España algunas de las obras de Remedios Varo ('El Tiforal), Moreno Villa ('Nocturno'), Manuela Ballester ('Retrato de Totli') y Elvira Gascón ('Cristo').

16.12.09

Tesoros artísticos del Banco Santander en la Paraninfo de la Universidad de Zaragoza 2009


Un total de 62 pinturas y esculturas de Rubens, el Greco, Sorolla, Picasso o Chillida, entre otros, se podían ver hasta marzo de 2009 en una exposición que se inauguró en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza y que recorrió los lenguajes artísticos desde el siglo XVI hasta el XX.

Bajo el título, 'Selecta. Del Greco a Picasso', esta exposición mostró una selección de obras pertenecientes a cinco siglos distintos, que no se habían mostrado en Zaragoza y que componen una secuencia artística de "gran calidad".

'La predicación de San Juan Bautista' de Lucas Cranach 'el Viejo', el 'Ecce Homo' de Luis de Morales o el 'Cristo Agonizante' del Greco son algunas de las obras renacentistas que se pudieron observar en la primera parte de la exposición, junto a las pinturas barrocas 'La educación de la Virgen', de Alonso Cano de la que podemos ver una copia arriba del todo y pintada en el año 1644, y 'La Virgen niña dormida', de Zurbarán.

El retrato también estuvo presente en la sala con la presencia del 'Michael Ophovius' de Rubens y 'Don Diego de Mexía', de Antón Van Dyck, al igual que los bodegones de Juan de Arellano o Mareius.

La muestra se adentraba en el siglo XIX con obras modernas de Antonio María Esquivel, Martín Rico, Genaro Pérez e Ignacio Pinazo y continúa con dos grandes retratos de Joaquín Sorolla, Ramón Casas, y Santiago Rusiñol, de finales del XIX y principios del XX. Por último, Antoni Clavé inauguraba la última parte de la exposición, situada ya en la planta sótano, que mostraba la producción artística más contemporánea dedicada a la vanguardia de los años 60.

Así, se pudieron ver obras de José Guerrero, Antoni Tápies, Pablo Palazuelo, Luis Feito o Manolo Millares y del aragonés Antonio Saura, cuya obra 'Dama en la habitación' cerraba este capítulo pictórico. 

La muestra finalizaba con seis esculturas de la primera mitad del siglo XX entre las que se podían ver el 'Pájaro bebiendo agua', de Alberto Sánchez, el 'Hombre con puerta', de Pablo Serrano, o 'Toki', de Eduardo Chillida, obras que hasta ese momento no se habían visto en Zaragoza.

4.12.09

Templo para las artes en el Design District de Miami

Un nuevo concepto de Museo de lugar para atraer a nuevos visitantes de Arte. El museo privado de la Cruz Collection Contemporary Art Space abrió en 2009 en el Design District de Miami ante una multitud muy bien impresionada con las nítidas líneas arquitectónicas del edificio, tan parecido a un museo, con tres pisos repletos de arte contemporáneo internacional elegantemente instalado.

"Es de primera clase, como todo lo que hace Rosa'', comentó el urbanista y coleccionista de arte Craig Robins. "Esto es muy bueno para el distrito'', señaló. Rosa de la Cruz, quien todos los años tiene un desayuno en los jardines de su casa en Key Biscayne para personalidades de Art Basel ansiosas de ver su mundialmente renombrada colección, recibió a los visitantes en el nuevo espacio de 30.000 pies cuadrados, en el 23 NE 41 Street.

Todo el mundo fue bienvenido en el nuevo espacio (‘‘una extensión de mi casa'', según ella) sin necesidad de credenciales. Se mantendrá abierto al público gratis.

Rosa de la Cruz se sintió visiblemente conmovida por las reacciones de algunos visitantes a ver la lista de artistas de primera clase polacos, alemanes, británicos y norteamericanos exhibidos juntos a los cubano americanos Ana Mendieta y Félix González-Torres, que crearon obras conceptuales originales antes de morir.

"He trabajado mucho, y esto ha tardado mucho en hacerse'', declaró De la Cruz. "La gente me pregunta cómo lo hago. Pues bien, me paro en una estancia durante una hora y estudio y pienso en el arte y en el artista. Y mi propósito cuando exhibo, es respetar la obra''. 

De la Cruz trajo al artista neoyorquino Jim Hodges para mezclar sus obras con las de González-Torres, quien murió en 1996 y estuvo representando póstumamente a EEUU en la Bienal de Venecia hace dos años.

La gente se estaba retratando frente a la hermosa cortina de flores del techo al piso de Jim Hodges, y aquellos familiarizados con la obra de González Torres se llevaron muestras de caramelos blancos de menta de la legendaria instalación del fallecido artista Untitled (Portrait of Dad)

Wendy Cromwell, una asesora de arte de Manhattan, estaba frente a dos montones muy bien arreglados de papel blanco, uno titulado Nowhere better than this place (Ningún lugar mejor que este) y el otro Somewhwere better than this place (Algún lugar mejor que este), otra instalación de González-Torres. 

"Me gustó muchísimo'', declaró Cromwell. "Me encanta el gusto de Rosa. Tiene un gran entendimiento de su propio arte y de cómo debe verse''.

El papel, de hojas grandes como afiches, también podía llevárselo el público. González-Torres siempre insistió en que el público interactuara con sus obras y nombró los materiales de esa pieza ‘‘copias sin fin''. 

Pero los momentos más conmovedores del día de apertura ocurrieron en una habitación solitaria del tercer piso dedicada a las emblemáticas obras de Ana Mendieta. Hay un video y fotos que rodean la escultura Sandwoman (Mujer de arena) que estaba sobre una plataforma. "Es como una capilla'', señaló el coleccionista Peter Menéndez, quien al igual que otros cubanoamericanos que conocieron a Mendieta y lloraron su trágica muerte a los 36 años en 1985, tuvieron que contener las lágrimas.

26.11.09

Gonzalo Díaz Ladino en el Museo de Arte de Bogotá




A partir del próximo viernes 27 de noviembre, el Museo de Arte Moderno de Bogotá exhibirá en sus muros exteriores una muestra dedicada a la obra del extraordinario Gonzalo Díaz Ladino. La exposición fue concebida, recopilada, curada y diseñada por Populardelujo. 


El lugar no podía ser más apropiado: el MAMBO está a sólo metros de los que fueron durante mucho tiempo los fortines del trabajo de Gonzalo: el antiguo teatro El Cid, el antiguo teatro Opera y el teatro Embajador. Durante más de tres décadas Gonzalo ideó las vallas de cine más impresionantes –tanto en términos gráficos como mecánicos– que haya visto Bogotá. De hecho, fue en la 24 con 7a, en el mismísimo parqueadero del museo, en donde estuvieron instaladas vallas como las de King Kong y Tiburón II, que sucitaron desde notas de prensa hasta visitas presidenciales.

25.11.09

William Kentridge: Cinco Temáticas en el MOMA

Arriba vemos una imagen de una obra del artista sudafricano Wulliam Kentridge hecha en carboncillo, pastel y lápiz de color sobre papel.

Hasta mayo del 2010 se podía ver en el MOMA una exposición de este autor sudafricano, William Kentridge (n. 1955) que se extiende por casi tres décadas de su carrera extraordinariamente prolífica, con un énfasis en los proyectos finalizados desde el 2000.

Muchos de estos cuadros nunca antes habían sido exhibidos públicamente en los Estados Unidos. Con la combinación de la política con la poética, el trabajo de Kentridge ha dejado una marca indeleble en el arte contemporáneo.

9.11.09

El Premio Nacional de Fotografía reconoce el trabajo de Gervasio Sánchez

"Es una gran sorpresa por ser la primera vez que se valora a un fotoperiodista. Y es un orgullo sobre todo cuando en los medios se valora tan poco la fotografía de prensa. Mi apuesta ha sido por trabajar en zonas de conflicto y asumir una serie de riesgos a lo largo de los últimos 25 años, en los que se van quedando una larga lista de compañeros muertos en esos lugares"

Gervasio Sánchez (1959/Córdoba) es licenciado en Periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona de 1984. Ha cubierto los principales conflictos armados del mundo, tanto la guerra del Golfo como los de la antigua Yugoslavia, África, Asia y América Latina.

Trabaja para el Heraldo de Aragón, además de colaborar con la Cadena Ser, el servicio en español de la cadena pública británica BBC, el Magazine, de La Vanguardia, y la revista TIEMPO. En 1995, emprendió su proyecto fotográfico Vidas Minadas sobre el impacto de las minas antipersonales sobra las poblaciones de los países más minados del mundo, entre ellos Afganistán, Angola y Camboya, que concluyó en 1997 con un libro y una exposición. Otros libros fotográficos suyos son El Cerco de Sarajevo (1994); Kosovo, crónica de la deportación (1999) y Niños de la Guerra (2000). En 2001, apareció su libro La Caravana de la Muerte. Las víctimas de Pinochet, y en 2005, Sierra Leona. Guerra y Paz. En 1998, con motivo de la celebración del 50 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) le nombró Enviado Especial de la UNESCO por la Paz.

8.11.09

La reforma del Museo Pablo Serrano de Zaragoza

La reforma del Museo Pablo Serrano de Zaragoza está resultando mucho más costoso en tiempo y dinero del previsto, pero el resultado valdrá la pena con toda seguridad.

Alejado de la zona de Zaragoza más visitada por los turistas, tendrá que ser debidamente promocionado pues va a resultar un Museo excepcional que se dedicará al Arte Contemporáneo, un hueco que en Zaragoza está sin cubrir.

Los fondos fijos del Pablo Serrano serán las obras del genial escultor, depositadas por su familia y que ya se podían contemplar antes de la reforma. Pero ahora se ha triplicado la superficie expositiva para ofrecer temporales que darán más sentido y vida a un museo contemporáneo que se abrirá a mediados del próximo 2010.

Increiblemente no se supo hacer la reforma (tampoco la del Pablo Gargallo) para la Expo 2008, aunque con la mala gestión que se hizo de la Expo para poner a Zaraogza en el mercado turístico, de nada habría servido que se hubieran acelerado las obras de estos dos museos, referentes en España a partir del próximo año.

30.10.09

El Museo Pablo Gargallo abre hoy una exposición de Anglada-Camarasa


El Museo Pablo Gargallo de Zaragoza, abre hoy una exposición temporal de Anglada-Camarasa, con entrada libre.

El recién renovado Museo Pablo Gargallo de Zaragoza abre hoy sus salas de exposiciones temporales con una exhibición de 27 obras de Hermen Anglada-Camarasa, representativas de su innovadora técnica pictórica, que se podrán contemplar hasta el 31 de enero de 2010.

Hermen Anglada-Camarasa (Barcelona 1871-Port de Pollença, Mallorca 1959) está considerado como el pintor catalán "más universal" aparecido después de Marià Fortuny y antes de Joan Miró.

Bajo el título "La estética de Anglada-Camarasa", se muestran una selección de obras del fondo completo que la Fundación la Caixa adquirió en 1988 a sus herederos y que ha sido declarada de Interés Nacional.

Esta exposición, dividida en tres salas en las que se recorre la etapa del pintor en París, el uso de la figura femenina, y los paisajes, pretende desentrañar el complejo mundo que a lo largo de los años fue rodeando y condicionado su figura.

Hermen Anglada-Camarasa fue considerado un gran maestro a nivel internacional por su modernidad en el tratamiento de la luz, el color y la temática.

Tanto su técnica pictórica como la estética de sus lienzos resultaron, en su momento, muy innovadoras: gruesas pinceladas ondulantes que, con las mezclas de color directamente sobre la tela, a través de la intensa luz que emerge del interior del cuadro, ofrecen el juego de formas y volúmenes.

Se formó en Barcelona, y a finales del siglo XIX dio el salto a París, donde vivió unos años de precariedad y grandes privaciones.

En el cambio de siglo consiguió un fabuloso éxito internacional, como no había obtenido ningún otro pintor español desde Marià Fortuny.

Su influencia fue especialmente notable en Italia y entre los artistas rusos. Anglada-Camarasa fue uno de los primeros artistas de España que logró ser reconocido y cotizado en los Estados Unidos, y uno de los pocos que creó escuela en Latinoamérica, donde es un nombre de referencia.

La personalidad de Anglada-Camarasa se asocia a dos paisajes característicos: el París nocturno de la Belle Époque, que supo captar con un arte misterioso y sutil, y los paisajes de Mallorca, lugar en el que se refugió, huyendo de la Primera Guerra Mundial, y que se convirtió en su tierra de promisión.

Los últimos años de su vida, vivió alejado del mundo artístico, a causa de la Guerra Civil, que le llevó al exilio, y del distanciamiento progresivo de las tendencias más avanzadas del arte contemporáneo.


29.10.09

Subasta en Nueva York de varias obras de Dalí, Picasso y Miró



Más de cien acuarelas, litografías y grabados de los pintores españoles Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró se vendieron en el año 2009 en una puja que superó los siete millones de dólares, en la casa de subastas Christies.

Una selección de 25 grabados al aguatinta y un grabado a punta seca de Pablo Picasso (1881-1973) encabezó las ventas de estas láminas españolas al alcanzar un precio de martillo de 80.500 dólares.

Bajo el título 'José Delgados (alias Pepe Illo), la tauromaquia o arte de torear', estas láminas de 1952, firmadas a lápiz, se habían valorado inicialmente entre 30.000 y 50.000 dólares.

Una litografía en color del artista malagueño, 'Figure au corsage rayé', superó también las espectativas de la casa de subastas británica al adjudicarse por 74.500 dólares. Christies había calculado el valor de esta pieza entre 50.000 y 70.000 dólares.

La obra del catalán Salvador Dalí también estuvo presente en la venta con un lote de cincuenta grabados en blanco y negro que fueron a manos de un comprador que pagó 62.500 dólares por ellos, un precio que apenas superó los 60.000 dólares en que se habían valorado.

Otro compendio de siete litografías en color firmadas por Joan Miró alcanzó una puja máxima de 52.000 dólares. Datadas en 1973, este grupo de láminas se esperaba vender en un principio por 40.000 dólares.

Asimismo, la subasta contaba también con el aguafuerte 'Cinta roja', de Antoni Tàpies, valorado entre 2.000 y 3.000 dólares, y que no encontró comprador.

Los Encuentros del 72, un cambio en la escena artística española

Entre el 28 de junio y el 3 de julio de 1972, Pamplona fue literalmente inundada por las tendencias últimas y más extremas del arte de los 60, en especial por aquellas vinculadas a la poética del acontecer y tendentes a la disolución de las fronteras entre arte y vida. Aquello fue un auténtico diálogo entre vanguardia y tradición popular, entre los artistas y el público.



El Museo Reina Sofía realizó una exposición sobre aquellos Encuentros de Pamplona que de la mano del mecenazgo de Juan Huarte se celebraron en vísperas de los Sanfermines de 1972 y que constituyeron el festival del arte de vanguardia más amplio y significativo de todos los celebrados en nuestro país. 

Como muy bien dice el comisario de la Muestra, José Díaz Cuyás, "…en aquel verano, en pleno tardofranquismo, en una ciudad alejada de las vanguardias artísticas y por iniciativa de un mecenazgo particular, surgió el milagro de un festival de vanguardia que colocó a Pamplona en el inicio de un tour artístico que continuaba su ruta por el Festival de Spoleto, la Documenta de Rasel y la Bienal de Venecia".

22.10.09

Museo Pablo Gargallo de Zaragoza, imprescindible

El
Museo Pablo Gargallo, el único en el mundo dedicado al escultor aragonés, abrió al público en 2009, tras casi tres años de reformas y 18 meses de retraso (debería haber estado listo para la Expo 2008). Como novedad, contará con un 40% más de superficie expositiva y se añaden a la colección cinco importantes obras donadas por la hija del escultor.

El museo, ubicado en el Palacio de Argillo, contará con 180 obras y amplía su superficie en un 40% debido al acondicionamiento de un edificio anexo de la calle Torrenueva. La colección permanente estará en el palacio y el nuevo espacio albergará la zona de exposiciones temporales que contará con tres salas, más la sala de actividades didácticas y el fondo de documentación.

Pierrete Gargallo, hija del escultor, ha regalado unas piezas (Voluptuosidad, en escayola y en bronce; y Autorretrato) y ha donado los derechos de autor para difundir sendos ejemplares de En la artesa y de La Vendimiadora. Esta última obra se instalará en tres meses en una calle próxima al museo por su gran tamaño.


15.10.09

Si la cosa funciona, de Woody Allen

No es Match Point aunque se parezca, pero si un canto a la libertad personal y a encontrar la suerte, tu suerte.

Como dice Allen, es mejor tener suerte que ser bueno.

El actor principal lo hace muy bien (aunque lo haría mejor Woody Allen en un papel escrito para él) y Eva Rachel y los secundarios acompañan perfectamente.

Vemos un NY auténtico y antiguo, con ese sabor que enamora, pero creo que le falta algo de chispa, algo de mordiente, no sé, tal vez algo de dolor.

Recomendable para seguir creciendo en la libertad personal y en asumir que la vida es eso, una pequeña mierda que a veces se puede incluso comer.

7.10.09

Arnau Alemany, un pintor realista mágico


Os dejo para disfrutar, unas obras hiperrealistas (realismo mágico) de Arnau Alemany, un pintor catalán que no deja indiferente con sus obras maravillosas con visiones de las ciudades o de paisajes, realmente muy atractivos a la vista y que dan que pensar.

Pinta edificios sociales de Barcelona, París o Nueva York con paisajes desérticos o de abandono urbano desolado, pueblos fantasmas, ciudades industrializadas, donde la naturaleza parece comerse las calles y los edificios.






30.9.09

Origami: el arte del papel plegado. Papiroflexia.

En el edificio del Centro de Historias de Zaragoza hay una planta que es el Museo del Origami, y que está pasando serias dificultades económicas. (Año 2018). Y de las que hablaremos en breve.

Origami. El Arte del papel plegado. No cortado, no pegado, sólo doblado.

La técnica de plegar una hoja de papel para obtener una figura se conoce en el mundo hispánico con el término ‘Papiroflexia’, acuñado por el papiroflexista vallisoletano Vicente Solórzano. En el mundo anglosajón se habla de ‘paperfolding’ y en el francófono de ‘papier plié’’. Sin embargo, el término más extendido internacionalmente es el japonés ‘Origami’.

En español ha habido otras propuestas; alguna tan original como “cocotología”, propuesta por Miguel de Unamuno. Otras, un tanto complicadas, como “plicapapirología”, Si bien en España utilizamos cotidianamente el genérico “hacer pajaritas”. Pero la papiroflexia actualmente es algo más que “hacer pajaritas”. Sí, ciertamente, puede practicarse como un entretenimiento o pasatiempo. Manipular un papel es una buena manera de mantener coordinados el cerebro, la mirada y la destreza manual. Bien decía el maestro Yoshizawa: “cuando usamos nuestras manos para doblar no estamos pensando en la destrucción.”

También supone, en muchas ocasiones, un soberbio desafío a la mente, cuando uno se propone resolver un problema con una solución limitada a las exigentes reglas de la papiroflexia ortodoxa. 


Y, en ocasiones, algunos plegadores asumen una exigencia más: conseguir auténticas obras de arte. Los modelos plegados son seguramente más efímeros que las pinturas, las esculturas, las películas de cine y los edificios. Pero su “performance”, el artefacto artístico, dura algo más que la de la música o la danza. 

El origami está en un punto intermedio: se ejecuta con partitura pero la obra dura en el tiempo...

Con el tiempo, van apareciendo auténticos “intérpretes” de la papiroflexia artística. Puede parecer que, siguiendo el desarrollo, cualquier persona puede plegar cualquier figura y siempre de la misma manera. Pero eso no es cierto. Se puede llegar a sentir la impronta de cada plegador en la obra plegada. 


El experto conoce al instante si un cisne ha sido plegado por Akira Yoshizawa o por Robert Lang. Como en cualquier otro arte, el estilo expresa el espíritu del creador.

26.9.09

Ver lo visible. Artículo de Muñoz Molina sobre Arte



Les dejo el enlace de un excelente artículo de Antonio Muñoz Molina sobre arte.

Dejo el comienzo del mismo, para que analicen si les interesa.

"En un cuadro de Vermeer hay sólo una o dos figuras y unas pocas cosas en una habitación y sin embargo no se termina de ver nunca. La luz que entra por una ventana situada a la izquierda viene filtrada por gruesos cristales y es casi siempre una luz de invierno o de patio…"


La obra se titula "La lechera" y es del artista holandés Johannes Vermeer, pintado sobre el año 1660.

15.9.09

El Museo Arte Reina Sofía en Madrid. Referente

Pocos museos hay en España con más futuro e innovaciones que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. a la altura, sin duda, de los mejores del mundo.

Su colección permanente está muy bien expuesta pero sus exposiciones temporales son auténticas maravillas como para hacer viajes periódicos a Madrid sólo para perderse un día por sus pasillos y salas.

No suele defraudar y por si una visita de día entero no es suficiente, ahora a partir de las 19 horas hasta las 21 horas es gratuita su visita.

Debe seguir en esta línea de trabajo pues España se merece un referente europeo de estas características.

Aquí pueden ver las exposicioens temporales de cada momento.


10.9.09

El pintor catalán Antoni Pitxot y sus obras de piedras

Se pudo ver en Zaragoza, en la sala de Caja Madrid, una exposición de 34 de las últimas obras de Antoni Pitxot Soler, artista que se puede contemplar de forma permanente en el Museo Dalí de Figueras por ser amigo del propio Dalí y director del museo durante bastantes años, con una constante en sus obras: el crear figuras pictóricas utilizando piedras como material estético en sus obras.

El resultado de la obra de Antoni Pitxot es sorprendente.

6.9.09

Nati Cañada, una artista aragonesa diferentes

Hoy os dejo una obra de la artista aragonesa Nati Cañada para conocer y contemplar. 

Y su dirección web por si deseáis seguir conociendo su obra y biografía.

Sus retratos, de gente muy conocida e importante son fabulosos, pero su obra en general es maravillosa de contemplar.

4.9.09

Ángel Orensanz y su obra en Aragón

Ángel Orensanz asegura que los jóvenes entienden "bien" su obra, "porque para ellos es el paraíso". Pero para aquellos que vean sus esculturas, sus grandes esferas o sus telas movidas por el viento y no sepan qué significan, el artista aragonés quiere darlo a conocer y lo hace a través de la película Sphairos (esferas en griego), que estos días de 2009 se está rodando en Zaragoza junto al equipo 3lemon.

22.8.09

Exposición de Vicente Pascual en Zaragoza, sala Sástago

Excelente exposición la que se realizó en el año 2009 y en la Sala Sástago de Zaragoza, del artista aragonés Vicente Pascual, tristemente fallecido en 2008.

Opusculum 1988-2008

Era imprescindible ver el vídeo que había al fondo de la misma, para entender mejor el trabajo presentado en esta exposición.



DE LA VIDA

Y cuando venga la muerte
me dirá: ya está.
Le diré: ¿ya está?
Y me dirá: ya está.


21.8.09

Azul. Una vida azul de muerte



Azul

Estoy flotando en el cielo.

Tengo el brillante azul del mar frente a mis ojos, 

kilómetros más abajo

poblado de miles pequeñas islas blancas que lo pintan.


Estoy muerto, o eso parece.

Volando a la deriva, 

sostenido por el infinito y secreto universo

que tengo adherido a mi espalda.


Y a mí alrededor, todo parece tener vida.

Los pájaros revolotean entre el inerte azul que me rodea.


Oigo voces a través de unos oídos levemente sellados,

e incluso las pequeñas islas blancas

parecen moverse y deformarse con el tiempo.

Todo se invierte, cuando una ola me revive.



17.8.09

Una muestra de Maite Ramírez Lescano


Os dejo un cuadro de Maite Ramírez Lescano, una artista de Pamplona que expuso en el verano de 2009, en la Sala Boston del Hotel Boston de Zaragoza. Con posterioridad a esta fecha no la he podido seguir, lo cual me resulta inquietante pues su obra parecía muy interesante.

En esta dirección tenéis su página web.

13.8.09

Arte Acción, trabajo social en ARTE

"Las maras fichan a los jóvenes que ven susceptibles de entrar en el grupo, aquéllos que aparentemente no tienen nada entre manos. Te debates entre ir a la policía o entrar en la pandilla para adquirir respeto. Sin embargo, había una tercera opción. La mara trata de jalarte, pero nosotros queríamos ser artistas".

Habla el actor de teatro y coordinador comunitario de 'Arte Acción' Kunste, director de una asociación cultural que desarrolla programas de prevención de violencia e inclusión social en Honduras a través del teatro, la danza, las artes plásticas o la producción audiovisual. 

Surgió espontáneamente como brigada artística tras la llegada del huracán 'Mitch', en 1998, para levantar el ánimo de la población damnificada en los albergues. El arte puede llenar contenidos sociales de personas que necesitan expresar sus dudas y abrirlas al mundo. Es cuestión de formación social.

3.8.09

Wall-E, una maravillosa experiencia. Una película genial.

Tuve la suerte de ver el otro día la película Wall-E, en principio para niños y jóvenes, pero que nada más comenzar ya me indicó que yo estaba ante un error de concepto. Es una película maravillosa para adultos, y también para niños.

Un excelente trabajo que te hace olvidar que todo es falso, que es un trabajo gráfico, que son ¿simples? dibujos animados.

Sin duda la historia es sencilla, pero el trabajo que se esconde detrás y la dulzura de los movimientos y los gestos, de los personajes y del tratamiento artísitico de todo, la convierte en una película muy recomendable, sobre todo para admirar un trabajo excelente.



9.7.09

Primeros pasos en pintura abstracta o de vanguardia

Si queremos crear una línea nueva personal de pintura, un nuevo u original estilo o concepto en nuestra obra, si tenemos ideas que nos golpean y no sabemos bien cómo plasmarlas, si nos encanta experimentar y adentrarnos en nuevas expresiones artísticas, vamos a dar algunos pequeños consejos.

En la pintura abstracta el acrílico es más rápido, más fácil incluso (ojo, que el acrílico tiene sus propias reglas) y más puro de color si no hacemos mezclas. Hoy es más fácil experimentar con acrílico.

Debemos madurar la idea, plasmarla en papel a modo de boceto, darle un par de vueltas para cambiar algunas cosas, incluso según cómo decidas crear, te puedes ayudar del ordenador para bocetar la idea y ver si funcionan los colores y las formas, los espacios vacíos, los blancos.

Cuando la idea está más clara, compra unas tablas de conglomerado de un tamaño pequeño, aproximado al 30 x 40. Te aconsejo que hagas 3 pruebas diferentes, sobre 3 soportes, para luego poder ver hasta donde da de sí lo que estás creando. 


Serían pruebas rápidas pero finalizadas, cuidadas como si fueran las definitivas, pues nos debemos entregar una idea acabada.

Y como ya he apuntado antes, explora y crea tres cuadros con variaciones y procedimientos distintos para luego analizarlos y ver por donde crees que puede ir mejor tu nueva idea.

Déjalos un par de semanas reposar en un cajón, hasta casi olvidarlos, para volverlos a ver con otros ojos, para poder discernir si realmente tienen algo de fuerza, si es eso lo que realmente querías hacer.

Y a partir de aquí, decide, elige, modifica y crea al tamaño final la obra o incluso el nuevo camino de creación.

Y recuerda que en la abstracción son las formas y colores los que enseñan, nada debe ser real, no deben existir figuras con perspectiva, con sombras, con realidad natural. Tú creas algo nuevo, algo que no existe hasta ese momento.


8.7.09

El ARTE de las viñetas en los diarios

El arte que se puede disfrutar en algunas viñetas de los diarios es un ejemplo de lo efímero que puede ser el trabajo artístico sin perder por ello el valor y el golpe seco contra nuestras conciencias y nuestra manera de ver lo que nos rodea.

Hay ejemplos en nuestros diarios, que son auténticos ejemplos artísticos insuperables. Quino o Forges, El Roto o Cano son ejemplos de un buen hacer en la viñeta que la convierten en un vehículo maravilloso para crear inquietud y reflexión, a la vez que belleza y arte.


4.7.09

Elegir un buen barniz para acrílico. Consejo sobre barniz

Para la pintura acrílica no sirven los barnices de óleo. En cambio para el óleo sirve casi todos los barnices de acrílico.

Elegir un correcto barniz es importante, pues es la capa que intentará que la pintura no se degrade, ni con la luz, el polvo o la humedad. El barniz sirve exclusivamente para eso, para mantener mejor la pintura. Es verdad que en óleo el barniz logra brillos y contrastes algo distintos al cuadro sin barnizar, pero en acrílico el concepto de uso del barniz es algo diferente.

Hay terminaciones en mate o en brillo, y su elección depende más del tipo de pintura que hagas y de los gustos personales. El barniz brillante te dejará una obra más parecida al óleo. En acrílico los colores pueden cambiar ligeramente al barnizar, dependiendo del tipo de pintura utilizada, su calidad o incluso el tipo de color. Si hay duda consultar con quien nos venda los colores y el barniz, para elegir el que mejor vaya al tipo y marca de pintura utilizada.

A mi para un paisaje me gusta brillante pero para una composición abstracta prefiero el mate. Y yo aconsejo barniz en spray que es más sencillo de usar siempre que controlemos bien que todas las partes reciben una capa al menos del barniz. Recordar que los barnices dejan mancha alrededor de la obra, por lo que es aconsejable que el cuadro esté encima de papeles para no manchar paredes o suelos.

Intentar encontrar un barniz que te permita lavar la obra con suavidad con el tiempo, pues el polvo y suciedad que se adhiere en su superficie aconseja limpiar de vez en cuando la superficie con un paño húmedo de agua templada y si acaso una gota de jabón líquido no abrasante ni disolvente.

Tan importante es sellar la superficie del cuadro terminado, cuando ya hayan pasado unos meses —como en el caso del óleo y tengamos la pintura seca y esté perfectamente cristalizada— como sellar y barnizar todos los cantos y superficies si se pinta sobre maderas o conglomerados. La humedad es terrible para la supervivencia de las obras.

3.7.09

Elegir colores en pintura al oleo y acrílica. Elegir paleta de colores.


Cuando elegimos colores para pintar una obra, tanto en acrílica como en óleo y estamos empezando, y si además entendemos de color lo suficiente como para saber qué tubos debemos comprar, tenemos una cierta tendencia a comprar colores primarios (magenta, cian y amarillo) pensando que con ellos podremos conseguir toda la gama de colores posibles.

La verdad es que no es así. Y mucho menos en acrílico.

Los colores que se comercializan no son trasparentes (incluso los que se venden como trasparentes no lo son del todo), y esto hace que la mezcla nos de un resultado distinto al que pretendíamos. La mezcla no es perfecta y se ensucia.

Tenemos que conocer los colores a costa de probarlos, porque incluso si cambiamos de marca obtendremos diferentes resultados con los mismos tonos de pintura.

Y recordar siempre, que en acrílico los colores tienden a oscurecerse un poco al secar, algo que en óleo no sucede.

Lo recomendable es disponer de una paleta de colores algo amplia, con dos amarillos (uno frío y otro caliente), un magenta o carmín, dos azules (uno cían y otro ultramar o similar), un verde esmeralda y otro verde primavera, más un par de marrones (un ocre suave y limpio y otro tierra tostada), más un blanco y un negro.

A partir de esta paleta de colores, sí que se pueden conseguir casi todos los colores posibles.

La gama de colores a la venta en acrílico es más compleja, pues incluye más posibilidades de opacidad que en óleo, aunque en este medio también hay que tener en cuenta la trasparencia de los colores.

Yo recomiendo que una vez que se decida pintar un poco más en serio, se sea fiel a una marca de tubos de colores, para que no haya incompatibilidad de mezclas y se asegure un resultado lo menos gris y sucio posible.

El gran enemigo de una paleta reducida es que las mezclas queden agrisadas y sucias, pues en realidad no mezclamos colores puros sino con componentes terciarios de color, que siempre ensucian algo el resultado final.

24.6.09

Arte Bruto. Art Brut. Arte sucio, sin pulir, en bruto.


Se conoce el Art Brut como el arte sin escuela, sin teoría, sin pulir, sin academicismo. Es "Arte Bruto", Art Brut, Arte en Sucio, el arte que se realiza por personas sin grandes conocimientos, desde ancianos a cárceles o sanatorios como tratamientos de acción social o de integración o de salud, como desde reuniones formativas artísticas a personas que disfrutan de realizar arte sin preocuparse en mejorar su técnica.

Es un Arte libre, puro, sin límites ni marcos formativos, que a veces les pueden coartar la posibilidad de expresión. Pero no confundir con el arte de algunos profesionales que es minimalista y a veces simple, pero que lleva detrás una gran formación para seleccionar elementos, colores o formas y técnicas.

El propio arte que los niños hacen, se podría catalogar de Art Brut, al que no hay que confundir por la expresión más general de Arte Bruto, en el aspecto que más usamos la palabra "bruto" en nuestro castellano.

Toda expresión artística que nace de la necesidad de expresarse, sin escuela detrás, sin buscar nada que no sea la satisfacción personal —que ya es mucho— podría catalogarse como Art Brut. Y no tiene que ser ni bruto ni sucio.

Pero no todo intento de realizar Art Brut, es ARTE. Hay que cuidar también y mucho la calificación de ARTE. No se debe confundir con la artesanía o con la manualidad.

El límite es confuso, pero debemos separar para dar valor y sentido al propio ARTE.

¿Quien debe poner la línea de separación?

Eso lo dejamos para otro día.

17.6.09

Matisse inundó de color el Thyssen-Bornemisza

En el año 2009 se pudo ver en Madrid una exposición de Henri Matisse, uno de los grandes artistas de la pintura francesa, en el Museo Thyssen en la forma de una impresionante retrospectiva que abarca los años centrales de su producción. 

Un período en el que el pintor Matisse dio forma a su característico estilo, reconocible en varios estadios de su labor creativa. La exposición titulada "Matisse, 1917-1941" reunió obras procedentes de los fondos de medio centenar de museos y colecciones privadas de todo el mundo, muchas de ellas nunca vistas en España, en una muestra que permaneció abierta hasta septiembre de 2009.

La obra de la imagen se titula: "Naturaleza muerta con bella durmiente" y se pintó en el año 1940.

15.6.09

Una obra de Goya, a subasta en Sotheby's

Una de las obras más importantes y tal vez menos conocidas de Goya, y nunca hasta el año 2009 ofrecida en subasta, es el 'Retrato ecuestre de Manuel Godoy, Duque de Alcudia', que protagonizó la venta de pintura antigua de Sotheby's en Londres, en la que se incluyeron cuadros de Ribera, Zurbarán e Inglés con un precio estimado en más de 7 millones de euros.

Este óleo sobre lienzo, pintado en el año 1792, salió a subasta por 3,92 millones de euros, y ha permanecido en la misma colección durante más de veinte años.


6.6.09

Pintar acrílico sobre madera. Consejos sobre la madera como soporte del acrílico.

El acrílico como medio o pintura, no es ni mucho menos lo mismo que el óleo en cuanto a técnica, y hay que aprender y sobre todo practicar. Es un aviso para quienes ya dominan el óleo y desean conocer nuevas técnicas. 

Las veladuras, las mezclas, los difuminados, la técnica en húmedo, son temas que hay que volver a dominar pues son formas y posibilidades son muy diferentes en el acrílico.

Pero sobre todo —y si no se compran pinturas de calidad mucho más— el color cambia ligeramente al secarse y luego otra vez al barnizarse, más cambios que con las técnicas de óleo. 

El proveedor al que le compres los materiales te informará bien de todo esto y te aconsejará según para qué desees cada material. Y si no lo hace, cambia de proveedor.

Si vamos a pintar sobre tablas, sobre maderas, el conglomerado es el material mejor para ello. E incluso en muchos casos el más barato y el que mejor se presta a tamaños muy diversos, a gusto del creador. 


Eso si, hay que tener en cuenta de darle una buena capa de imprimación (se comprar en la misma tienda que las pinturas y allí os darán a elegir varios tipos, según la técnica empleada) para que la pintura se asiente sobre una base de calidad.

Y además hay que dar imprimación o pintura de la que os sobre, tanto en todos los cantos de la madera como en su trasera, para evitar que la humedad pueda afectar con el paso del tiempo a la obra. No entrarán nunca bichos si es conglomerado, pero la humedad es un serio problema.

La madera (conglomerado) tiene sus ventajas sobre todo en cuadros de cierto peso o con una carga de pintura importante. Y sin duda, para obras en donde hagamos collage con otros materiales, pues una posibilidad del acrílico es poder añadir y pegar elementos (¿extraños?) a la obra, en su creación y terminación.

Nada como explorar y probar con nuevas bases, y sobre todo trabajar pensando en los años posteriores. 


Las obras tienen la obligación de durar. O no.

26.5.09

Los museos no dejan hacer fotos. El nuevo museo de Hergé

Con varios años de retraso y tras diversas polémicas sobre su ubicación y gestión, el Museo de Hergé, el padre del célebre reportero Tintín, ha visto la luz en la pequeña población belga de Lovaina la Nueva, en uno de los primeros centros dedicados en exclusiva al noveno arte. 

El acto de presentación a los medios ha estado marcado por la controversia, debido a la prohibición de reproducir imágenes de la colección, medida que no había sido anunciada antes y que motivó las protestas de numerosos periodistas, e incluso, el abandono de algunos de ellos. 

Esta negativa "forma parte de la política de la Fundación" y pretende evitar "que los originales se deterioren", se ha justificado el director del museo, Laurent De Froberville.

Lo cierto que es algunos museos no dejan hacen fotografía, y no es porque se dañan los originales. Se podría exigir no utilizar el flash bajo multa muy alta, y no se hace. 


Simplemente es que no quieren que se puedan reproducir los cuadros, para que sean ellos los que tengan todos los ingresos sobre reproducción. Hoy las cámaras digitales con alta sensibilidad, son capaces de fotografiar con calidad buena las obras de los museos, sin necesidad de utilizar flash. Es lo que hay, nos guste o no, a mí, muy poco.

Pero no tiene sentido práctico, pues si somos capaces de llevarnos en la retina o en el recuerdo una obra, no tiene sentido que no podamos llevárnosla en una cámara de fotografías. No es un robo, es recordarla mejor. 

Y quien crea que con esas cámaras y luz natural, se puede lograr un producto para vender, se equivoca.

Por cierto, si los museos son públicos ¿las obras no son públicas al menos en derecho de recuerdo?

18.5.09

Poema de Antonio Vega, creador de sueños y momentos


Un momento en una agenda
una décima de segundo más
vuela...
Va saltando de hoja en hoja
mil millones de instantes de qué hablar

Una ráfaga de aire frío
un molino de viento hace girar
sigue...
va rodando sobre su eje
describiendo una trayectoria más.

Es que no hay nada mejor
que imaginar...
la física es un placer
Es que no hay nada mejor
que formular…
escuchar y oír a la vez.

Mide el ángulo
formado
por ti y por mi
es la solución a aIgo muy común aquí

Ahora tú
no dejes de hablar
somos
coordenadas de un par
incógnitas
que aún faltan por despejar

Busca un libro que diga cómo,
luego otro que se titula sí,
sigue...
un tercero llamado nada
es la fórmula del círculo sin fin

Es que no hay nada mejor
que revolver
el tiempo con el café

Es que no hay nada mejor
que componer
sin guitarra ni papel.

paralelas
vienen
siguiéndome
espacio y tiempo
juegan al ajedrez

Ahora tú... no dejes de hablar.

Antonio Vega

Mario Benedetti, otro poeta libre que se fue

Llevamos un semana de pérdidas poéticas. Tras Antonio Vega se nos va Mario Benedetti, otro escritor de las conciencias, otro poeta de la libertad.

Sus poemas estaban al servicio de la rabia que le producían las dictaduras del sur de América.

Su apariencia era la de un juez de paz, pero nunca hubo paz en su alma

A sus 88 años años se nos va otra voz por la libertad, por la literatura de verdad, por el compromiso poético con el mundo que les ha tocado vivir.

"Usted madura y busca / las señas del presente / los ritos del pasado / y hasta el futuro en ciernes / quizá se ha vuelto sabio / irremediablemente / y cuando nada falta / entonces usted muere".



14.5.09

Antoni Muntadas, Premio Velázquez 2009

El artista barcelonés residente en Nueva York Antoni Muntadas, galardonado hoy con el Premio Velázquez de las Artes Plásticas, está considerado un pionero del vídeoarte y el padre del net-art español. El galardonado, sin embargo, ya ha señalado al conocer la concesión del premio que no se considera "pionero" o "padre" de nada, y ha añadido que su objetivo es "aportar lo máximo" al mundo del arte y lo "más honestamente posible". Ha subrayado que ganar este galardón supone "un reconocimiento al trabajo" pero "no cambiará" su forma de ver el mundo o el arte.

Premio Nacional de Artes Plásticas 2005, Muntadas (Barcelona, 1942) es uno de los artistas contemporáneos más innovadores del panorama artístico español, y su obra está expuesta en museos e instituciones de numerosos países. Aunque comenzó como pintor, este artista, que vive y trabaja en los Estados Unidos desde los años sesenta, explora en su obra asuntos de interés social, político y de comunicación y utiliza medios como la fotogrfía, el vídeo, publicaciones, internet e instalaciones multimedia.

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